Alla periferia del maschile. Il lavoro con i “sex offenders” a Regina Coeli.

Lavorare con gli “stupratori occasionali” presenta diverse difficoltà. Una delle principali è la negazione del reato. Si considerano quasi tutti innocenti e vittime di un fraintendimento o di un complotto: “è stato un bacio mal interpretato”, “il carabiniere dall’animo poetico ha romanzato la dichiarazione della donna” etc.

Negare il reato per loro ha un costo alto davanti alla legge. Non beneficiano dell’alleggerimento di circa un terzo della pena previsto per chi si riconosce colpevole; invece di fare 4 anni ne fanno 6 per es.

La seconda difficoltà che emerge dal lavoro con loro è la loro forte irritazione per una società che, da un lato promuove e trasmette a tutti i livelli una cultura maschilista e una visione dei ruoli maschili e femminili ben determinata, e dall’altro si stupisce di chi ha concretizzato certi precetti, e li etichetta come i peggiori mostri. Come non pensare all’immagine della donna nella pornografia o alla sua versione chic nella pubblicità, o alla religione che assegna alla donna il ruolo molto limitante di ‘costoletta sussidiaria’ dell’uomo, o ancora ai commentatori delle partite di calcio che invocano la necessità di “penetrare la difesa” o “violare la porta avversaria”*, solo per fare qualche esempio di mostri sacri.

In questo contesto sarebbe di cattivo gusto andare a dare lezioni ai detenuti su come considerare le donne. E infatti non sono disposti a farsi dare lezioni, anzi, sono loro a “poter aiutare chi sta fuori” e quello che chiamano “lo scontro di opinioni” può anche finire male, visto che scelgono di fare più anni di carcere anziché ammettere il reato.

Per questo motivo il Teatro Dell’Oppresso (TDO) si rivela un metodo privilegiato per affrontare la violenza maschile. Il TDO aiuta le persone a far emergere ed affrontare i disagi e le difficoltà vissute riportandole al sistema più generale che rendono possibili questi disagi. Si parte dal materiale che si manifesta nella spontaneità dei giochi e delle improvvisazioni. Tutto si fa attraverso tecniche ludico teatrali.

Teoricamente il TDO si usa con le persone più oppresse, con chi subisce un sistema oppressivo (principalmente maschilismo, razzismo e capitalismo), ma sarebbe impossibile affrontare, smontare e sormontare il maschilismo evitando il confronto con chi lo veicola.

Si usano tecniche graduali per mettere in scena le situazioni in cui i detenuti si sentono in difficoltà nel gestire le proprie emozioni, pensieri e reazioni. Si parla quindi di disagio più che di oppressione.

Si lavora molto sulle situazioni ‘pericolose’, quelle che potrebbero far tornare in carcere. Si lavora molto sull’approfondire la comprensione delle situazioni difficili vissute.

Ciascuno mostra la propria scena riguardante un problema che tocca tutti (per es. le separazioni). Come facilitatore pongo solo delle domande per guidare l’analisi del problema rappresentato: “Perché ha perso la pazienza in questa scena di separazione”, “secondo voi cosa lo fa sentire giustificato a usare questa strategia?”, “in quale momento si è azionato il pilota automatico?” etc.

Poi si propone ai partecipanti di mostrare cosa farebbero nei panni dell’uomo in difficoltà. “Come gestiresti questa separazione ?”, A turno entrano in scena per mostrare diversi modi di affrontare la situazione. Questo innanzitutto permette loro di vedere che, per ogni situazione, non c’è una reazione meccanica obbligatoria, un ‘dovere maschile’, un’emozione scontata, e sono loro stessi a dimostrarlo. Infatti  sono orgogliosi di mostrare che sanno trovare alternative e soluzioni. In questo modo allargano il loro orizzonte di possibilità e di ruoli, laddove il carcere potrebbe averlo ristretto, condannandoli all’identità di “stupratori”. Scoprono così che non c’è più un solo modo di rispondere a un disagio.

A volte chiedo anche di invertire i ruoli: chi ha agito violenza deve recitare il ruolo della donna che voleva separarsi. Mettendosi nei panni della donna, si indaga sulle emozioni che si provano in quel ruolo e si lavora sulla nozione di autonomia: “può una donna decidere di separarsi?”, “perché solo a certe condizioni?”, “chi decide in quali condizioni?”. Solo gli Italiani hanno accettato di recitare i ruoli femminili; ma tutti sono rimasti spiazzati da questo cambiamento di prospettiva.

Tutte le scene vengono recitate dopo aver fatto una serie di giochi ed esercizi progressivi che permettono di uscire dalla spirale delle giustificazioni e del controllo di tutto ciò che si esprime. Si sviluppano nuove capacità nella spontaneità  e nelle sfide da sormontare, nelle emozioni da gestire, nelle collaborazioni da creare, si lavora sulla comunicazione e l’ascolto, molto limitati anche dalle condizioni di detenzione. Attraverso questi giochi i detenuti possono rendersi conto, guidati dal facilitatore, delle difficoltà che hanno e delle necessità di lavorarci sopra.

L’obiettivo in particolare è quello di fare emergere nella spontaneità i principali disagi affrontati nelle relazioni tra i sessi. Alcuni disagi emergono in modo costante. Prima di tutto la paura che la donna possa essere o diventare indifferente. Sia l’indifferenza di una donna conosciuta, sia quella di una donna che non si conosce affatto. Non a caso l’approccio è un tema chiave. La paura del rifiuto, il timore di non essere all’altezza, di non “rimorchiare” bene fanno dell’approccio un momento di alta tensione. Nell’approccio si cerca di conquistare il consenso della donna, ma questo implica che siano già determinati i ruoli di chi approccia e chi si fa approcciare. Inoltre non basta un solo consenso: per es. la donna può accettare di dire l’ora ma non di andare a bere una birra. Quindi vanno negoziati diversi consensi.

Durante il laboratorio abbiamo vissuto momenti bellissimi. Un detenuto molto educatamente voleva forzare una donna a sedersi, alla fermata dell’autobus. Un altro la voleva convincere che c’erano degli stupratori in giro da cui lei doveva essere protetta. Insomma ci è voluto poco affinché il più maschilista di tutti, dopo 30 anni a Regina Coeli, riconosca: “non so rimorchiare”. Da lì è iniziato un percorso sulla capacità di entrare in relazione con l’altro sesso molto partecipato. Ogni volta si analizzavano le nuove modalità proposte in scena. Un giorno ha partecipato al laboratorio una delle operatrici della Cooperativa Be Free, all’origine del progetto*, che dopo le analisi e le valutazioni dei detenuti, ha dato il suo parere sui diversi approcci; quel parere è stato accolto dai detenuti come la massima verità sul tema.

Anche in questo caso, lavorare sull’approccio “pesante”, che va direttamente a sondare la possibilità di avere una relazione sessuale, ma invertendo i ruoli tra uomo e donna, (tra chi è attivo e chi è passivo nelle relazioni sessuali secondo gli stereotipi) ha dato grandi risultati.

I concetti relativi al consenso e all’autonomia sono fondamentali e il detenuto ha grande voglia di approfondirli, purché non sia fatto in modo infantilizzante, purché possa essere lui il perno dell’evoluzione e del cambiamento.

Probabilmente questo lavoro è stato troppo breve per produrre risultati valutabili e pretendere grandi cambiamenti. Ma ha permesso tuttavia di individuare le piste fertili che consentono di evitare lo scontro improduttivo da un lato e le collusioni rischiose dall’altro. È un lavoro che andrebbe fatto in modo costante con i detenuti. Ma come spiegare e far capire  che i detenuti “stupratori” hanno anche bisogno di imparare a entrare in relazione con persone di sesso diverso? Come argomentare che l’approccio, il momento della prima conoscenza di un’altra persona, è un momento privilegiato e complesso per tutte le dinamiche che ci si manifestano, tutti i pregiudizi e gli stereotipi che ci entrano in gioco, tutte le emozioni che scatena? Il TDO è un metodo privilegiato per affrontare questi temi perché offre una palestra per lavorare su situazioni quotidiane, normalmente poco prese in considerazione, o delicate da affrontare.

Ancora più urgente è convincere i politici e gli amministratori che è necessario affrontare le tematiche delle relazioni fra i sessi  a partire dai ragazzi e dalle ragazze e che bisogna cominciare questo lavoro sulla capacità di entrare in relazione e di gestire la frustrazione delle separazioni laddove non si è ancora consolidato il modello stereotipato al quale si aderirà. Non a caso Parteciparte lavora molto con il TDO sugli stereotipi e sulle situazioni conflittuali che ne scaturiscono nelle scuole.

Miriamo alla partecipazione attiva e numerosa dei ragazzi e delle ragazze. Sono loro a creare le scene, sono loro ad analizzare i problemi di genere, ad insegnarci quali sono le regole del maschilismo. Regole scomode anche per i maschi. Con la distanza che da la messa in scena, questo diventa evidente a tutte/i.

Nei laboratori i ragazzi e le ragazze sono ben contenti di potersi confrontare liberamente su quali sono i problemi legati al genere che vivono nella loro quotidianità, di mettere in discussione e trasformare i modelli, di provare alternative per costruire rapporti creativi e rispettosi e di poter essere i protagonisti di questa ricerca e di questa trasformazione. Spesso vogliono anche vedere come ‘l’adulto’ se la cava nelle situazioni …

Perciò più che ricette e kit metodologici, che mi vengono spesso chiesti, credo che il facilitatore debba essere pronto a mettersi in gioco, ad improvvisare sulle problematiche di genere, a proporre il gioco più appropriato al momento, ma più di tutto deve avere rielaborato anche lui i suoi vissuti rispetto ai problemi di genere. Ho scoperto questo grazie a Maschile Plurale, un’associazione dove si condividono esperienze, si rielaborano vissuti, si parte da se stessi, si fa politica, con un’ottica di genere.

Negli spettacoli, dove il pubblico interviene per provare soluzioni, quando una persona prende posizione contro un modello o per inventarne uno diverso, lo fa in nome di tutti. L’evoluzione è sempre decretata e celebrata dal pubblico e sembra che sia poi difficile tornare indietro e riprodurre modelli contro i quali si è lottato, in scena, davanti a tutti, con tanti.

Dato il duplice lavoro – di rielaborazione del passato e di costruzione del futuro – crediamo che abbia un’enorme rilevanza ed efficacia il lavoro sulla prevenzione, prima di quello sul recupero in carcere con i detenuti. Anche perché aspettare il disastro ha un costo altissimo per tutta la società.

Infatti il fenomeno della violenza maschile sulle donne è tanto commentato, ma ben poco combattuto alle radici. Si parla tanto di donne vittime, ma quando si parla di uomini violenti è  solo per mostrarne uno strano o straniero, uno irregolare insomma.

Ci si potrebbe quasi chiedere se questa comunicazione deleteria che tace i costi del maschilismo fa comodo per ricordare alle donne più emancipate che c’è sempre un uomo pronto a rimetterle in riga. E se i media sono i motori di questa campagna controproducente, sarà una bella sfida per il teatro far capire e scardinare le dinamiche politiche che sottendono il problema. Sfida che a Parteciparte abbiamo deciso di raccogliere con spettacoli come “Da paura”, “Amore Mio” o “Brucio d’amore”

In pieno centro, il Carcere di Regina Coeli ci offre la visione più completa delle periferie del maschile, ai confini, dove si consolidano le regole più dure, quelle che giustificano poi i reati più violenti in tutta la società. Dalla periferia al centro questo materiale diventa un tesoro che permette di individuare alla radice, i moti, le sentenze, le molle più discrete che potrebbero permettere al peggio di accadere. Il Teatro Dell’Oppresso rende visibile tutto questo, in modo che non si possa più non vedere. Ma ci permette anche di decostruire un maschile misero che non regge più il peso di stereotipi invivibili. Ci dà la voglia e gli strumenti per costruire un maschile aperto, plurale, capace di accogliere l’autonomia femminile e tutto l’arcobaleno di desideri tra i sessi.

* Ludovico Arte in “non è un gioco per signorine” dentro il volume “trasformare il Maschile”, a cura di Salvatore Deiana e Massimo Greco,  studia il vocabolario usato dai commentatori di calcio in un ottica di genere.

* “Parlare con i lui” è un progetto che è stato pensato e coordinato dalla Cooperativa Sociale Be Free. È la controparte del loro lavoro con le donne vittime di stupro e altre violenze. Nel 2014 riparte il progetto “parlare con i lui” questa volta con gli uomini maltrattanti che scontano una pena esterna.

L’estetica dell’oppresso
Insiemi analogici e complementari.
Saggio di Augusto Boal
Traduzione dall’inglese Maria Rossi
Sommario/Riassunto.

La natura non produce mai due cose identiche. Tutti gli oggetti inanimati e tutte le creature viventi sono sempre uniche e irripetibili, anche quando sono clonate. In un mondo così variegato/differenziato, dobbiamo organizzare la nostra percezione altrimenti rimarremmo paralizzati dall’immane abbondanza di impressioni e informazioni sensoriali (che riceviamo). Fortunatamente, la natura permette la creazione di Ensembles (insiemi/sistemi) complementari e analogici. I neonati dapprima guardano tutto, senza vedere. Dopo un pò, cominciano a distinguere fra linee dritte e curve, profondità e colori. Se si fermassero a guardare tutto allo stesso tempo, non potrebbero cominciare a vedere. Vedono “insiemi”.
Gli insiemi analogici, sono omogenei, contengono cioè cose simili fra loro ma non identiche -Unicità- in un’unità più grande come un corpo di ballo, un battaglione di soldati o la farina contenuta in un sacco. Gli insiemi eterogenei, invece, sono fatti di elementi complementari. Due fiumi non sono mai uguali ma in entrambi l’acqua scorre ed entrambi hanno due rive e un solo letto. Un essere umano è un insieme di elementi complementari: tutti abbiamo una testa, un tronco, quattro arti; abbiamo vene, pelle e capelli. Abbiamo tutti un cervello.

Le Parole come mezzi di trasporto
Gli Ensembles devono avere un nome per dare vita ad una qualsiasi forma di comunicazione e dare un nome alle cose è il tentativo di immobilizzarle, fissarle, definirle. Nominare significa fissare quel che fluisce, fermare quel che non può essere fermato nello spazio e nel tempo. Le parole – i Nomi delle cose- sono indispensabili per qualsiasi scambio e dialogo. Esse designano/ determinano gli ensembles ma ignorano/non tengono conto delle unicità che costituiscono la sola ed unica realtà oggettiva. Bianchi e neri, uomini e donne, operai e contadini, nessuna di queste parole esiste. Ci sono ma non esistono. Quel che esiste è quest’uomo nero e quella donna nera ecc. ecc. …, in transito, di passaggio, nel’ incessante processo di cambiamento, di nascita e morte che è la vita. Le parole sono mezzi di trasporto delle nostre idee, dei nostri desideri e delle nostre emozioni. Con la stessa parola- attraverso la sintassi della lingua scritta e attraverso l’espressione della voce nella lingua parlata- si può dire esattamente l’opposto del suo significato che troviamo nel dizionario.
Per comprendere quel che una parola significhi è necessario precisarlo. La parola è un’ entità che non esiste. E’ un segno fatto sulla sabbia, un suono scolpito nell’aria. Le parole sono qui e ovunque. Le parole sono un vuoto che riempie il vuoto stesso che c’è fra un essere umano e l’altro. In questo vuoto noi depositiamo tutto quel che siamo. Noi siamo le parole che diciamo, tramutate in suoni e in segni. Per precisare il significato delle nostre parole dobbiamo vestirle: con maschere come nella tragedia greca, con luce come nel cinema e con vestiti come nella vita di tutti i giorni, tramite la gestualità e le espressioni del viso. Le parole sono il lavoro e lo strumento della ragione. Dobbiamo trascenderle e cercare forme di comunicazione che non siano solo razionali ma anche sensuali, estetiche. Attenzione: questa trascendenza estetica della ragione è alla base del teatro e di tutte le arti.

Il processo estetico e il prodotto artistico
L’artista è colui che è capace di penetrare la realtà, ermeticamente nascosta dietro le parole e gli ensembles. L’artista rivela le Unicità che stanno dietro la semplificazione del linguaggio che le nomina e della ragione che le raggruppa senza percepirle/notarle. L’artista penetra le unicità della vita come se essa stesse cercando la sua parte complementare, come se essa stesse cercando se stessa: la sua identità nell’alterità. L’uno che cerca l’uno, cerca se stesso e l’altro allo stesso tempo. Questa percezione dinamica è sempre in movimento e, come l’amore, non è mai la stessa.

Alcune persone sono chiamate artiste ma ogni essere umano è, sostanzialmente, un artista. Siamo tutti in grado di penetrare le Unicità, sia attraverso l’amore che attraverso l’arte. Noi possiamo trovare l’Uno. E’ importante distinguere tra il fare -il Processo Estetico- e il già fatto -il Prodotto Artistico. Quest’ultimo non può prescindere dal primo per avvenire mentre il Processo Estetico non ha bisogno di concludersi. Per l’Estetica dell’Oppresso, il Processo Estetico è la cosa più importante anche se è assolutamente desiderabile che esso porti ad un prodotto artistico, per il potere amplificativo e sociale che esso ha.
Il Processo Estetico permette alle persone di fare quello che solitamente è loro negato, di espandere le loro potenzialità espressive e percettive. Il Processo è utile già da solo ma lo diventa ancor più quando produce un lavoro/ porta ad un prodotto da condividere con gli altri, ugualmente partecipanti/coinvolti nel loro processo estetico. Il Processo Estetico non è un lavoro d’arte ma uno strumento per sviluppare capacità, specialmente la capacità di metaforizzare.

Amore e arte
L’arte è amore. La persona amata è un essere unico e irripetibile e in amore noi ci addentriamo nell’unicità dell’essere amato. Un unico complesso universo in costante mutamento/movimento. Per questo l’amore non “è” . Sebbene basato sulla realtà, l’amore è un lavoro di immaginazione. Noi cerchiamo parti del nostro desiderio nel nostro amato. In questo senso l’amore è un arte e l’arte è amore. Sono identici e per questo fluttuano/oscillano allo stesso modo. Nessuna persona è amata o nessun pezzo d’arte è ammirato in maniera costante e uguale. Contrariamente a quanto comunemente si dice, l’amore non è un incontro ma una ricerca! Qualcuno sempre in moto cerca qualcuno che non è mai identico a se stesso.

Arte e conoscenza
L’arte è una forma speciale di conoscenza, soggettiva, sensoriale, non scientifica. L’artista viaggia oltre le apparenze della realtà fino alle unicità nascoste dagli Ensembles. Nel Lavoro dell’Arte, il viaggio è sintetizzato con il nocciolo/l’essenza della realtà e crea un nuovo Ensemble che rivela l’Unicità che a sua volta, per analogia, ha a che fare con noi stessi. Un lavoro d’arte, composto di parti uniche, crea un nuovo immaginario. Quello che fa sperimentare alle persone una certa identità condivisa. L’io si trasforma in noi. Nel noi, “scopriamo la scoperta” che l’artista fa. Dicendo ‘noi’, ognuno scopre il proprio vero se. Io divento la somma di tutte le mie relazioni e qualcosa di più, come in una forma di sinergia. Metaforicamente, sono suoni e colori, sono Wagner e Velasquez. L’arte scopre e re-inventa la realtà attraverso una singolare prospettiva. La singolare realtà dell’artista può essere osservata solo attraverso il suo lavoro, che è sempre unico.

Estetica e neuroni
L’Estetica dell’Oppresso è basata sulla nozione scientifica che i neuroni coinvolti nella nostra percezione sensoriale costruiscono dei circuiti. I networks (le reti) neuronali ci permettono di ricordare, di mettere in relazione e, infine, di creare, inventare e immaginare. Si potrebbe dire che l’immaginazione sia memoria trasformata dal desiderio. I neuroni dei circuiti sensoriali si incontrano nella corteccia e tutti i messaggi ricevuti dialogano gli uni con gli altri, portando alle decisioni del singolo individuo. I circuiti sono costantemente modificati, e così la via tramite cui riceviamo i messaggi. Vecchie parole, concetti e valori sono confrontati con nuovi ed essi possono essere modificati, rimpiazzati o eliminati. Niente è definitivo nell’essere umano.

La televisione crea una triste immagine della realtà, specialmente attraverso i film di stile hollywoodiano. Non è tanto la violenza che mostrano a causare danni quanto il fatto che essa sia priva di ragioni e motivazioni. La violenza di per sè non è ne buona ne cattiva. E’ negativa quando è ridotta a pugni oggettivi e senza alcuna soggettività. Può essere educativa se è giustificata/spiegata, quando mostra la sua etica (le sue ragioni). Mostrare sempre le stesse immagini in maniera ripetitiva e incessante mira a bloccare lo sviluppo intellettuale e metaforico di un pubblico che si vuole solo passivo. L’invasione della tv brasiliana da parte del cinema commerciale americano è più pericolosa di una qualsiasi invasione dell’Amazzonia da parte di spietate forze straniere. E non è solo la televisione, ma tutti i media che riducono la realtà ai problemi minori della gente ricca o al conformismo della classe media.

Lo stesso discorso politico ha trasformato parole come libertà e democrazia nell’ opposto del loro significato. Nel nome di queste parole un Paese ne invade un altro, uccide e tortura la sua popolazione dicendo che è ricomporre l’ordine. Quale ordine? Quello del potere imposto (del più forte). Tutto ciò è fatto per distruggere la capacità metaforica delle persone.

La metafora comprende tutti i linguaggi simbolici, soprattutto la parola e l’allegoria. Se i neuroni estetici – quelli che elaborano sensazioni, ragionamenti e idee- sono attivati da nuovi stimoli, anche la creazione della metafora è attivata. Senza un’autonoma attività metaforica, l’intelligenza è paralizzata e l’individuo si avvicina all’ominide con cui l’evoluzione è iniziata.
Ominidi e animali non sono in grado di creare metafore. Diversamente dalla tragedia greca, la globalizzazione cinematografica mostra solamente azioni senza ragioni. Nelle tragedie, invece, l’azione si svolge fuori dalla scena, quel che noi vediamo è un balletto di parole, idee, concetti, sentimenti. Nei film hollywoodiani noi vediamo violenza e nessuna idea, vediamo il buono picchiare il cattivo, che il cattivo la pensi diversamente o meno. Anche nei film senza brutalità e violenza, siamo rappresentati nel come dovremmo comportarci, pensare e persino vestire. Questo insano consumismo crea “necessità innecesarie” (falsi bisogni), esemplificate negli infernali centri commerciali di tutto il mondo. La stessa cosa accade con i ragazzi cresciuti in un contesto dominato dal traffico di droga. I loro cervelli ricevono solo messaggi di morte, tortura, assenza di scrupoli, in cui la vita umana vale meno di una lira. Come può una etica umana nascere da un terreno di sola miseria e paura?

Ghirlande di neuro-circuiti, resistenti e aggressive ma non indistruttibili
La mia ipotesi è che i circuiti neuronali possano costruire delle Ghirlande (sistemi circolari, chiusi, coazioni a ripetere) resistenti, aggressive e distruttive in base alla natura delle informazioni e ai circuiti che li ricevono. Esemplificazioni di queste “ghirlande neuronali” sono l’estremismo religioso, il fanatismo sportivo, l’adorazione di una persona o di un’istituzione, il settarismo politico, le gangs o i clan. In queste “ghirlande” l’imput deve essere ricevuto in modo ripetitivo e costante. Se il calcio fosse giocato solo due volte all’anno, non ci sarebbero hooligans, se le gangs combattessero tra di loro sporadicamente, nessuna “ghirlanda neuronale” potrebbe formarsi e il dialogo sarebbe possibile.

Circuiti neuronali estetici
Ora, alcuni neuroni sono capaci di trasmettere emozioni e idee complesse, parole e simboli. Io li chiamerò Neuroni Estetici perché questa è la funzione dell’Estetica: rivelare ragioni ed emozioni attraverso stimolazioni sensoriali. Parafrasando Dostoevsky, che disse: “Solo la bellezza salverà il mondo.”, noi possiamo dire: “Solo l’estetica permette le più vere e profonde comprensioni del mondo e della società”.

Volume, territorio e insignia (simboli) del potere
Ogni oggetto o creatura vivente occupa uno spazio, un luogo in questo mondo. Gli oggetti inanimati occupano uno spazio equivalente al loro volume, gli animali marcano il loro territorio con odori e suoni. Anche gli esseri umani usano i loro sensi per estendere i limiti del loro territorio, il più importante dei quali è la vista e l’immagine. Per questo tutte le società umane sono dei veri e propri spettacoli visivi. Nel corso della storia, sono variati solo i mezzi di produzione dello spettacolo. Essere spettacolari implica basarsi sulle relazioni di potere, e il potere ha bisogno di simboli e rituali. Esso ha bisogno di essere riconosciuto al primo sguardo per essere temuto e rispettato. La carrozza reale non è stata inventata per essere un mezzo di trasporto più efficiente, una comune macchina avrebbe fatto meglio, ma la carrozza reale è un simbolo di potere, solo in seconda battuta serve a trasportare.

Non solo la festa del 15° anniversario o la cerimonia nuziale, non solo il varo di una nave sono eventi spettacolari ma anche i pranzi domenicali in famiglia in cui si seguono regole stabilite come in una specie di recita. Tutti sono spettacoli in cui i ruoli sono assegnati, protagonisti, non protagonisti( spalle), in cui tutti i dialoghi sono prevedibili. I media, essendo una fonte di informazione e di valorizzazione/esaltazione di chi vi è rappresentato, possono conferire status a chiunque appaia nella copertina di una rivista o in uno show televisivo. La stupidità e la superficialità degli shows è intenzionale e mira a vendere prodotti e idee attraverso l’insidioso meccanismo dell’empatia.

E’ la televisione a diventare l’unica e assoluta verità mentre la realtà diventa finzione, una bugia, finchè non è riferita dalle news della notte. Sul finire della decade passata, c’è stato un assalto ad un bus nel centro di Rio. Furono fatti degli ostaggi e tutto durò per cinque ore. La televisione filmò integralmente l’evento e un giovane confessò che quando si ritrovò a passare lì vicino e capì cosa stesse accadendo davanti ai suoi occhi, corse a casa ad accendere la tv per essere sicuro di aver visto quel che aveva visto.

Meno tecnologicamente, gli indigeni del Braziluse coloravano le piume durante le feste o i preparativi di una guerra. Danzano rispettosamente, cercando un posto nella struttura del potere offerta dal proprietario terriero. I simboli non solo vestono il più valoroso con superiorità e potere. Per quelli che non portano i simboli, essi sono anche Immagini dell’Assenza, i simboli segnalano dove risiede il potere e dove no.

I tre livelli della percezione
1. Informazione- livello recettivo. I sensi registrano uno stimulus che è trasportato alla parte del cervello dove io posso vedere, udire, sentire, odorare o assaggiare. Io ricevo un messaggio. Questa informazione non viene salvata ma messa in collegamento con altri circuiti neuronali.

2. Conoscenza e prendere decisioni- livello attivo. L’essere umano mette in relazione la nuova informazione con quelle già ricevute e, di reazione, prende delle decisioni.

In questi due livelli, umani e animali sono simili. Alcune decisioni sono istintive o biologiche. Topi cresciuti in laboratorio che non hanno mai visto un gatto, scappano quando ne sentono uno. Con gli umani, la conoscenza è accompagnata da una valutazione soggettiva, che può condurre ad errori. Supponiamo ci sia una tigre alla mia porta, io ricevo l’informazione, so che è pericoloso, ma non devo per forza scappare. Posso inventare un’altra soluzione, come sparare all’animale.

3. Coscienza etica- livello Umano: a questo livello chiedo a me stesso- è il livello del dubbio e della scelta eticamente giustificata. Dovrei uccidere la tigre?Potrebbe essere semplicemente affamata,dato che la crisi economica ha diminuito il suo cibo. Potrei correre via ma la tigre potrebbe divorare il bambino che vive qui accanto. Dovrei chiamare i pompieri? Lanciare il mio computer sulla sua testa? Dovrei urlare?

Il terzo livello è creativo, richiede l’invenzione di alternative. Ed è da questo livello etico che una sessione di teatro forum dovrebbe sempre partire: non è sufficiente avere delle buone idee, è indispensabile che siano eticamente motivate/giustificate. Non basta lavorare con idee che già esistono, è necessario inventare. Nel nostro lavoro teatrale è importante ampliare e amplificare tutti i livelli della percezione, specialmente quello etico, così che le nostre scelte siano consapevoli delle possibilità/alternative che esistono o che possono essere create. In ogni situazione c’è sempre una scelta/alternativa.

Necessità dell’Estetica dell’Oppresso
L’Estetica dell’Oppresso, che il CTO di Rio sta sviluppando proprio ora, fa sentire e comprendere alle persone la realtà sociale che li circonda. Il teatro è la più antica e naturale via di apprendimento; i bambini imparano tramite il teatro a saltare, interpretare personaggi e, attraverso altre forme di arte, scenografia, trucco, pittura, canto e danza. Il Teatro dell’Oppresso fa uso delle strutture sociali e dei valori morali di ogni società, per evitare l’accettazione passiva di quegli stessi valori e strutture. TO (Teatro dell’Oppresso) è al congiuntivo, non all’imperativo.

I giochi/esercizi teatrali combinano disciplina – i giocatori devono obbedire alle regole del gioco- e libertà – essi devono inventare, trovare soluzioni. Ogni esercizio/gioco è lezione di vita; ogni gioco/esercizio teatrale è una lezione di vita sociale. Gli esercizi del TO sono lezioni di cittadinanza. Senza disciplina non c’è vita sociale, senza libertà non c’è vita individuale. Come uno dei contadini del MST (Movimento dei Senza Terra) dice: “TO è così bello perché le persone imparano quel che già sanno!”. Apprendiamo esteticamente e impariamo ad imparare!

Dobbiamo ampliare il nostro metodo, fino ad oggi prevalentemente teatrale. Dobbiamo concepire un progetto di Estetica dell’Oppresso (vedi sotto- il progetto Prometeo), ideato per stimolare i Neuroni Estetici. La percezione estetica include ragione ed mozione, giudizio e valori, non solo sensazioni. Proprio come lo sport espande le potenzialità del corpo, l’arte espande le potenzialità della mente.

L’Estetica dell’Oppresso si propone di aiutarci ad imparare quel che già sappiamo sulla nostra cultura, sulle parole, i suoni, le immagini e l’etica. Se non creiamo la nostra propria cultura, obbediremo e saremo servili verso le altre. L’Estetica dell’Oppresso cerca di aiutare gli oppressi a scoprire l’arte, la loro arte e attraverso di essa scoprire se stessi;a scoprire il mondo, il loro proprio mondo, e attraverso questo, se stessi.

Teatro al congiuntivo
Il teatro, abitualmente coniuga la realtà nel presente indicativo: “io faccio”. La tv usa l’imperativo: “fai!”. Il TO coniuga la realtà con il modo congiuntivo ” se avessi” o “se io facessi?” tutto sarà un “se”. Il teatro al congiuntivo deve essere accompagnato dal teatro legislativo così che il sapere acquisito durante il lavoro teatrale possa proseguire in leggi e azioni concrete. O il teatro invisibile, così da intervenire sulla realtà direttamente. O un’azione concreta, che cambi la realtà nel breve termine.

Il progetto Prometeo

La parola

Le parole non hanno sempre lo stesso significato. Ogni parola è caricata con i desideri del mittente, ogni destinatario traduce/decodifica la parola secondo le proprie strutture. Questa sezione è sullo scrivere. La scrittura è una forma di dominazione del mondo, al posto di essere dominati da esso. Ci sono tre esercizi in questa sezione:

1) Cosa mi ha colpito di più in questi ultimi anni
I partecipanti sono invitati a scrivere un breve racconto/narrazione su un fatto personale o su di un fatto di importanza nazionale/del loro paese. Al posto di una dichiarazione di identità, volta verso l’interno/l’interiorità, questa è un’opportunità di riflettere una visione panoramica che ognuno ha del mondo, vicino o lontano.
Suggerimento: appendete tutte le storie al muro e fatele leggere. Poi chiedete ad ogni partecipante di dire quale storia l’ha colpito di più e perché. Fino ad allora non deve essere svelato chi è l’autore di ogni storia. Solo dopo ogni autore avrà la possibilità di reagire ai commenti fatti sul suo testo.

2) Dichiarazione di identità
Ogni partecipante dovrebbe presentare se stesso, in pochi righe, ma ogni volta il destinatario della presentazione dovrebbe essere differente: l’amato, un vicino di casa, il capo di lavoro, il presidente o la gente in generale.

Questo esercizio fa scoprire alle persone la molteplicità e la ricchezza del loro essere.

3) Poesia
Ogni partecipante dovrebbe scrivere una poesia, secondo il proprio intuito. Possiamo offrire alcune semplici linee guida:
a)il partecipante sceglie un tema che lo tocca emotivamente. L’emozione è necessaria ma può essere qualsiasi tema dagli occhi dell’amato apprezzi del supermercato.
b) Il partecipante dovrebbe scrivere una pagina intera sul tema scelto;
c) nella fase successiva, tutte le parole inutili o meno necessarie vengono eliminate. Così molti avverbi.
d) Il partecipante prova a organizzare ogni frase in modo tale che si crei un ritmo, una sequenza di versi.
e)Alla fine, il poeta dovrebbe sostituire ogni ultima parola di un verso con un altra parola (se necessario), per creare una rima ma solo se ha voglia di farlo.

Se le regole non funzionano, inventatene di altre. In arte, le regole sono suggerimenti, non comandi.

L’immagine

I partecipanti dovrebbero sviluppare le loro capacità di vedere e non solo di guardare. Creando delle immagini possono studiare e ristrutturare la realtà. I pittori e gli scultori si sento un po’ deificati proprio perché essi ri-modellano e correggono il lavoro degli Dei. Le attività basilari di questa sezione dovrebbe essere:

1) Scultura e pittura
Prima di tutto, ogni gruppo dovrebbe produrre una creazione collettiva sotto il titolo l’essere umano nell’immondizia, usando immondizia pulita proveniente dalle loro comunità o posto di lavoro. ogni scultura dovrebbe raffigurare/rappresentare figure umane mentre lavorano, si rilassano, amano, dialogano etc.. possono usare qualsiasi tipo di materiale per fissare e sostenere la scultura. essi possono fare anche dipinti sullo stesso tema. questo è solo il punto di partenza, altri temi della sfera di interessi dei partecipanti può essere esplorato ugualmente. e possono essere concreti o più astratti.

2) Fotografia
ogni persona del gruppo tiene tra le mani 5 foto di se o di altri membri del gruppo, o colleghi di lavoro o persone della propria comunità. il numero di foto è limitato per permettere al gruppo di esplorare le storie dietro di loro: cosa stanno facendo le mani? è la persona fotografata a decidere cosa la persona che tiene le foto deve fare. la foto diventa un titolo, ma la cosa più importante è il dialogo che dovrebbe prendere piede sull’immagine prodotta, su come ogni immagine può essere percepita, le idee/i pensieri che ogni immagine provoca, memorie, desideri…

3) Rimodellare la forma/la sagoma

Prendete delle immagini riconoscibili, una bandiera, un luogo geografico famoso, l’orizzonte di una città, un logo, tutto ciò che possa essere riconosciuto al primo sguardo e i partecipanti dovranno riprodurlo, trasformandolo. Possono colorarlo, cambiare la struttura delle sue linee, tagliare via parti o aggiungerne di altre, mostrare le loro opinioni sulla figura e il suo significato, le idee ed emozioni gli suscita.

Il suono
la musica è la via con cui gli esseri umani si mettono in contatto con l’universo, è il contatto degli essere umani tra il loro cuore e il cosmo. Per questa ragione, i poteri economici hanno incarcerato la musica in società che producono solo i ritmi che possono controllare. L’80% della musica prodotta serve solo per offuscare le menti degli ascoltatori. Nell’Estetica dell’Oppresso cerchiamo i ritmi dentro di noi, quelli della natura, del lavoro e della vita sociale.

Basandosi su giochi comuni e conosciuti come l’immagine dell’ora, il gioco delle professioni, maschere e rituali e la danza del lavoro, i partecipanti possono scegliere qualsiasi attività ripetitiva che svolgono a lavoro o nella vita quotidiana e trasformarla in una danza.
a) il partecipante comincia con il mostrare in silenzio movimenti ripetitivi, meccanizzati del proprio lavoro o della vita di tutti i giorni.
b) si dilatano i movimenti, eliminando i dettagli ridondanti ed ampliando quelli che si ritengono più significativi formando una sequenza che contenga tutti movimenti essenziali.
c) gradualmente si trasformano i movimenti in una danza, introducendo un ritmo.
d) il partecipante stesso o gli altri membri dovrebbero comporre una musica di accompagnamento ai movimenti.

I partecipanti possono creare ritmi e melodie basate su quel che i loro corpi percepiscono quando sono a riposo o in differenti attività del giorno così come sulla relazione tra il corpo e il mondo esterno. E’ importante evitare ritmi già conosciuti.

Strumenti di lavoro possono essere trasformati in strumenti musicali. Ogni strumento musicale è stato costruito, non se ne trovano in natura di già fatti, molti altri possono esserne inventati di nuovi.

L’Etica

Il TO è un teatro etico, in cui nulla può essere fatto senza sapere perché e per quale motivo. Il significato etico delle azioni di tutti i giorni è importante tanto quanto l’azione stessa.

Teoria: senza fare conferenze, sono state prese molte decisioni eticamente rilevanti e con grandi ripercussioni sociali. Basti pensare all’invasione spagnola in Centro e Sud-America, che portò al genocidio di dozzine di civiltà indigene/native; l’accordo di pace di Bretton Woods che instituì il dollaro valuta mondiale; la guerra del Golfo della guerra contro l’Iraq, messa a confronto con quella del Vietnam;

Pratica: Solidarietà- le differenze fra Pompieri e la Polizia Militare, in Brasile, è che quest’ultimi imparano a sparare e distruggere mentre i Pompieri,oltre a come estinguere un incendio, imparano il primo intervento, come salvare vite e prestare servizio alla comunità in caso di difficoltà. Per questo sono moralmente superiori alla Polizia Militare.

Questa parte del capitolo dovrebbe consistere in lezioni pratiche di solidarietà secondo i bisogni reali delle comunità dei partecipanti- e dovrebbe essere tradotta in pratica, non solo appresa.

Ogni partecipante dovrebbe collaborare in qualche atto collettivo o di miglioramento per la propria comunità.

In india, molti dei gruppi che costituiscono il movimento Jana Sanscriti, dopo aver recitato per una comunità, chiedono alle persone se possono essere di aiuto in qualche modo. E’ parte del loro modo di fare/intendere il teatro.

Moltiplicazione- Ogni gruppo dovrebbe organizzare uno o più piccoli gruppi ai quali poter trasferire/passare le lezioni ricevute nello spirito del “”Solo lui/lei che insegna, impara”, cercando di creare un Effetto Moltiplicazione.

Questa è vera scienza neurologica: nell’imparare il singolo mobilita solo i neuroni necessari per ricevere e trattenere quel che è stato insegnato; insegnando l’individuo mobilita i neuro-circuiti di aree differenti del cervello, espandendo e fissando il sapere, rendendo le cose imparate sempre disponibili e attive.
Questa è solo una bozza di progetto, una proposta iniziale. Perché si ottengano dei risultati e si definiscano/conformino delle modalità è chiaro che -per anni- dovremo lavorare duramente e sperimentare nelle diverse campagne, città e Paesi in cui il Teatro dell’Oppresso è attivo.